El dibujo con pincel

Pincelando también es posible conseguir interesantes dibujos lineales con una fuerte carga gestual y expresiva. Con el pincel cargado de color y agua abundante esbozamos el modelo velozmente, casi sin levantar la punta del papel; dejamos que el pincel descargue todo el color sobre éste; de manera que las marcas realizadas describan el modelo con un trazo exagerado, poco preciso y de manera muy emotiva. Nuestra función no es tratar de explicar con detalle el motivo, sino servirnos de amplias pinceladas gestuales, que con mucha intención pretende.
La diversidad de grafismos que proporciona la tinta aplicada con pincel la hacen especialmente indicada para realizar dibujos gestuales. Además el dibujo lineal con pincel nos permite estudiar la forma, el contorno del modelo y hacer hincapié en el aspecto rítmico del trazo.
El dibujo realizado con pincel emplea trazos amplios y desenfadados como consecuencia de los rápidos movimientos del antebrazo del artista; su fin es reflejar el tema con trazos rítmicos y dinámicos.
Para imprimir caracter a una aguada, construiremos el dibujo a partir de pequeños impactos con el pincel que darán un aspeto roto y precipitado a cada mancha
La línea modulada
Las líneas moduladas representan cambios muy sutiles en el ancho y en la intesidad de su trazado; el objetivo es manifestar la fragilidad o rotundidad de las formas que tratamos de explicar.
El pincel debe deslizarse con fluidez. Para ello, hay que levantar el mechón de pelo lo menos posible del papel.
Dibujar con tinta
Para el dibujo lineal con pincel, lo más frecuente es la tinta china o la sepia. La primera se confecciona a partir de negro de humo disuelto en aceite de goma arábica y aglutinantes; la segunda con una tinta que se obtiene de la sustancia contenida en una glándula de cefalópodo del mismo nombre.
El dibujo gestual
Para lograr un dibujo gestual es imprescindible aprender a trazar un garabateo que contornee las formas de manera apresurada. El trazo realizado con un pincel redondo (el más adecuado en estos casos) no debe ser rígido ni uniforme, sino todo lo contrario; la punta del pincel tiene  que responder a los movimientos de la mano; debe doblarse e inclinarse cuando pretendamos dar mayor amplitud al trazo y acariciar el papel cuando queramos trazar finos y sutiles.
En el dibujo gestual la línea debe variar constantemente su amplitud para diferenciar las zonas iluminadas de las sombras.

Consejo III: Tipos de gomas

Cuando alguien se inicia en el mundo del arte, se encuentra con un gran nº de material que desconocía, hasta el hecho de escoger un tipo de goma resulta abrumador!!! Si es cierto que se puede acceder a borrar con las gomas de toda la vida, cosa que desaconsejo por diversos motivos: las gomas de borrar de toda la vida, dejan virutas y estas ensucian el papel, las hay muy duras que lo estropean y como con todo, una vez que has probado un producto especifico y de calidad, te das cuenta que no hace falta que te expliquen más.

Los ejemplos que ahora pongo son de gomas de una gran marca de dibujo "Derwent", es cierto que hay más marcas, para dibujar a lápiz las de Staedtler están bien, las de faber Castell me gustan mucho más, sueltan menos virutas y son más suaves. Así que si aun no has adquirido goma recomiendo la primera y la última marca. Después como con todo hay muchas más y a gustos se pintan colores.

- Goma de borrar Arte y borrador arte suave. Ambas son muy buenas durante todo el borrado, son realmente eficaces en trabajos realizados con lápices de diferentes clases . La diferencia entre las gomas de arte y las de arte suave, es que en el arte suave uno tiene una consistencia más suave para que pueda obtener un borrado menos agresivo sobre el papel.El más suave es ideal para aquellos que trabajan sobre papel de acuarela , por ejemplo , ya que es más suave y no daña el papel.

 - Goma de borrar triangulares. Son ligeramente más firme y ofrecen un agarre confortable. La forma se realiza para que puede ser más preciso con su borrado.- Goma de borrar lápiz es una goma de borrar fantástica. Es muy cómoda de sostener, y tiene un mecanismo brillante para extender y retraer el borrador. La goma de borrar en sí es muy eficaz, es el mismo tipo de goma que la de borrar arte . Perfecta para trabajos de precisión .Las recargas están disponibles en paquetes de 2 .

- Goma de borrar amasable. Es para rebajar el tono y el color en lugar de borrar áreas enteras . El artista rasgar un pedazo pequeño y lo moldea en la forma deseada , y luego lo aplíque sobre su trabajo para sacar color y tono.Nuestros borradores amasables  de la marca derwent vienen en una envoltura de papel de cera para que pueda envolver la goma que no usan y la  mantengan siempre limpia

Consejo II: Uso de la cuchilla en el dibujo

El cuchillo de arte puede ser usado para muchas aplicaciones diferentesEs el accesorio perfecto para afilar el lápiz y para cortar el papel. Para cortar el papel , simplemente presione ligeramente y dibuja una línea a lo largo de un borde recto sobre el cual se quiere cortar.El cuchillo artesanal tiene un mango suave de tacto único, haciendose extremadamente cómodo de sujetar.Para afilar un lápiz sostener el cuchillo con un ángulo pequeño ( casi paralelo al lápiz) y quitar pequeñas cantidades de madera de cada lado del lápiz. Si el ángulo es muy agudo la tendencia será a despegar demasiada madera de una sola vez y, posiblemente, se cortará parte de la punta al mismo tiempo. Una vez que la punta de color se expone , a continuación, los movimientos de rascado serán muy suaves y crearán    una punta aguda y agradable. Esto es particularmente útil para lápiz pastel .Para añadir interés textual a su trabajo , utilice el

cuchillo para raspar la punta de color del lápiz sobre un área previamente mojado y deje que el pigmento caiga sobre la superficie húmeda . Varios colores pueden ser añadidos para el efecto.También es posible utilizar la cuchilla para marcar líneas en el papel antes de aplicar el color . Esto es ideal para las venas en las hojas o los bigotes de los animales.Notas:Cambie las hojas de cuchillo artesanal cuchillas regurarly tan contundentes Will Tear lápices de papel y dañar

Trabajar con el agua

Un buen entrenamiento para realizar aguadas consite en efectuar manchas concéntricas, que presentan escalas de grises conseguidas  a partir de la superposición de sucesivas veladuras a las anteriores hasta llegar al negro intenso en el centro.

En la aguda, los goterones no deben verse como un defecto sino como un recurso expresivo.

Trabajar con apenas un color o dos es la mejor manera de comprender el papel que desempeña la disolución de la pintura en agua y los diferentes grados de intensidad que pueden conseguirse. En la aguada no existe el color blanco, éste se consigue dejando zonas sin cubrir en el papel. Los colores más claros se obtienen diluyendo la pintura en agua abundante; de este modo, el blanco del color interviene, por defecto de la transparencia, otorgando luz a la aguada. No es recomendable empezar una aguada pintando los tonos oscuros, sobre todo si no se tiene experiencia. Dado que el blanco de la aguda es el propio del papel, no permite ir de un tono más oscuro a un tono más claro, esto nos obligaría a oscurecer todavía más algunas zonas para equilibrar los tonos.

Estirar la aguada

Un recurso muy utilizado en la aguada es manchar una zona con un color intenso, luego se lava el pincel y se carga de nuevo con agua limpia, se escurre un poco la punta y se estira el color al pasar por encima con el fin de obtener un degradado, permitiendo que corra el agua. Cuanto más se estira el color, más claros son los tonos del degradado y más suave resulta la transición de oscuros a claros.

Jugar con las manchas de manera incontrolada

Una vez repasados los principios básicos de la aguada, aventurémonos a construir nuestros dibujos exclusivamente  con manchas, utilizando la aguada con decisión y energía. No nos preocuparemos si aparecen goterones o si las pinceladas se extienden de manera descontrolada sobre papel húmedo; estos efectos que escapan a nuestro control, a menudo añaden mayor interés al dibujo.

Como consejo, decir que podemos imprimir velocidad al trabajo con aguadas inclinando el soporte para que aparezcan goterones que le den expresividad.

Incorporación de la aguada

Si bien los lápices de grafito se utilizan para trazar líneas finas, las aguadas aplicadas con pincel se introducen para matizar las sombras, modelar y contrastar. Por lo tanto, algunas técnicas de dibujo lineales suelen complementarse con la aguada. La incorporación de ésta en el dibujo refuerza su veracidad, pues completa la representación lineal al añadir el juego de luces y sombras, que representa mejor el modelado. La aguada aporta al dibujo nuevas calidades luminosas y cromáticas. Cuando se conocen y experimentan las posibilidades que ofrece esta técnica húmeda, es mucho más sencillo iniciarse en procedimientos complejos relacionaos con la pintura y el color.
El dibujo con aguada se lleva a cabo sobre un papel blanco en el cual el trabajo de valoración se realiza de menos a más, es decir, empezando por las sombras más suaves y terminando por las más contrastadas.
La clave de la aguada
La clave de una buena técnica de la aguada reside en una adecuada planificación de la distribución de la luz en el dibujo. Hay que decidir las zonas que vamos a preservar con el blanco del papel y la cantidad de tonos que vamos a utilizar; el éxito de la aguada depende de una evaluación meticulosa de sus matices, para que todo el tema muestre una iluminación coherente con suficientes contrastes. Por suerte, la necesidad de tener que esperar el secado de cada capa antes de aplicar una nueva nos permitirá trabajar con prudencia y lentitud para incrementar la intensidad tonal de cada zona después de una detenida reflexión.
Una capa sobre otra
La técnica de la aguada se basa en la superposición de capas translucidas de color. Se aplican primero las capas más palidas y transparentes, añadiendo una capa sobre otra hasta obtener los tonos más oscuros. Hay que trabajar despacio y probar previamente el color en un papel aparte, pues es difícil rebajar la intensidad de un tono una vez aplicado sobre el dibujo; habrá que evitar siempre el exceso de tinta. La aplicación de color de veladuras de color acumulativas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce en las sombras un efecto aterciopelado. Cuanto más agua añadimos a un color, más suave y transparente se vuelve la aguada

Las aguadas, la antesala de la pintura

He esta viendo algunos dibujos de aguadas y la verdad me ha parecido una técnica muy interesante y más sencilla y asequible para cualquiera de lo que se ve en un primer momento. Por ello hoy voy a dedicarles unas líneas.

La aguada define la técnica de dibujo realizada con un pincel húmedo y agua utilizando un solo color, generalmente negro (aunque todos los matices de pardo, nogal, bistre, índigo, caolín verde, azul negruzco, sanguínea, gris de Payne, son apropiados para la aguada), para dar más veracidad y vida al dibujo, ya que completa la representación lineal al añadir el juego de luces y sombras. Para trabajar con aguadas es preciso tener tinta china, tinta sepia o un par de colores de acuarela. Pero los principales  protagonistas de esta técnica son los pinceles, que a la postre constituyen un medio más dulce que las barras, las cuales actúan por frotación.

Si vamos a trabajar con aguadas debemos disponer de dos o tres pinceles de diferentes tamaños, y asegurarnos de que son capaces de retener una gran cantidad de agua. Lo más práctico es combinar un par de pinceles con una paletina de punta cuadrada.
La aguada nace de los suaves movimientos del pincel, que deposita la carga de color sobre el papel con movimientos sinuosos y rítmicos. En cada aplicación, con cada giro de la muñeca, el pelo se dobla como si fuera el cuerpo de un bailarín.
Reparto de la luz
Para aplicar una buena técnica de la aguada, la clave reside en estimar correctamente el reparto de la luz en el dibujo, que debemos plasmar en seguida con una aguada más o menos diluida. Primero cabe considerar qué zonas vamos a dejar del color blanco del papel, serán aquéllas donde la incidencia de la luz sea máxima; a continuación, aplicamos las primeras aguadas de un gris tenue, y a medida que se van secando vamos oscureciendo las zonas sombrías con nuevas aguadas.
Trabajo acumulativo

La aguada es una técnica acumulativa; se trabaja aplicando capas pálidas y transparentes, añadiendo una capa sobre otra hasta obtener los tonos más oscuros. La aplicación de capas sucesivas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce un efecto de sombras aterciopeladas. Hay que  proceder despacio y esperar a que las aguadas se sequen, ya que una capa debe estar seca antes de aplicar la siguiente. Conviene actuar con prudencia, aumentar la intensidad tonal de una u otra parte sólo tras una detenida reflexión, ya que no se puede corregir.

Proporciones de la cabeza chica adolescente

La edad perfecta para las jovencitas es dieciséis años. Al llegar a esa edad han perdido la torpeza causada por el crecimiento rápido, y todo es suave, redondo y hermoso. Como las jovencitas práctican actualmente deportes, sus caras son más musculosas que las de sus madres a la misma edad. Pero la cualidad predominante es la juventud; el rostro carece de líneas, está lleno de frescura y vigor.

Esto es lo que importa más en el dibujo de jóvenes, pues las proporciones de la cara cambian muy poco entre los dieciséis y sesenta años. La mandíbula de una joven quizá se desarrolle algo, pero no lo bastante para afectar las proporciones. Por eso el artista debe "sentir" la edad que quiere dibujar.

Importa mucho tener buenos modelos.  Dibujar una hermosa joven sin modelo es muy difícil, a menos de haber dibujado muchas cabezas, y domnar completamente las leyes de la construcción básica. No creo que ningún artista famoso trabaje sin los modelos adecuados. Recordad que la belleza es asunto de proporciones perfectas y del emplazamiento perfecto de los rasgos. El ilustrador comercial tendrá que dibujar muchas hermosas jovencitas

Proporciones cabeza adolescente

Las proporciones de la cabeza de un adolescente son casi idénticas a las de un adulto, siendo las diferencias más bien cuestiones de sentimiento.
La estructura ósea se evidencia en los jóvenes, aunque no tanto como en los hombres. No se ven líneas. La carne es firme y un tanto suave. Las mejillas son lisas sin que se noten los músculos. La mandíbula se desarrolló mucho en poco tiempo. El puente de la nariz adquirió una forma definitiva. Como la mandíbula y el cráneo han crecido, las orejas parecen más pequeñas en relación con la cabeza que en niño. El cartílago de la oreja se evidencia bien; las orejas ya no son redondas y tienen líenas más angulares.
El pelo deja las sienes más descubiertas. Las cejas son más gruesa. Los labios han llegado a su completo desarrollo. La mandíbula creció su forma definitiva.
El único hueso que aun no está completamente desarrollado es el ángulo de la mandíbula. Las investigaciones han demostrado que éste sigue creciendo hasta los veinte años o quizás más. Creo que tampoco el cráneo alcanza su crecimiento máximo hasta la madurez, aunque este crecimiento no afecta perceptiblemente las proporciones de la cabeza

Algunos de mis últimos dibujos II

Como podeis comprobar yo también he estado practicando esto de pintar ojo. Al principio te saldrán peor, otras un poco mejor. Pero no hay nada imposible.
Sobre estos solo puedo contar que los he dibujado sobre papel fabriano (me encanta este papel) y he utilizado grafitos 2b, 4b y 6 b.

Algunos de mis últimos dibujos!!

Poco voy a comentar. Dibujado sobre papel Canson azul y hecho como siempre con barras y lápices pastel. Como siempre digo el pastel da una luminosidad que no se consigue fácilmente con otros tipos de pintura, no hay más que ver el globo que parece una luna encendida. Como dije anteriormente los lápices pastel tienen la ventaja de poder llegar a rincones donde dificilmente se llegaría con una barra de pastel por su grosor, pero no son tan cubrientes ni luminosos, para ello solo hay que fijarse en las letras que están hechas con lápiz pastel blanco y no tiene la mima intensidad que el blanco del globo.

Proporciones de la cabeza de una niña preadolescente

Las niñas parecen alcanzar la madurez antes que los niños en lo que respecta a las características faciales. Muchas niñas tienen aspecto adulto en los primeros años de la adolescencia. Como lo mencioné anteriormente, por regla general tanto la frente como la línea del pelo son altas. Las mejillas son más llenas y de frente hay más espacio entre los ángulos de los ojos y orejas. 

Es conveniente recordar que tratamos de tipos comunes. Existen simpre variantes y excepciones. En fotografía las niñas de diez a doce años parecen mayores que los niños de la misma edad. A veces ello se debe a que sólo vemos la cabeza y hombros, y no la cabeza en conjunto con el cuerpo. En una niña de trece a catorce años la cabeza alcanzó casi el tamaño normal, mientras que el cuerpo aún no lo tiene. 

Los labios llenos siempre confieren valor al rostro de una jovencita, y se deben preferir las curvas a los huesos. Las jovencitas tienen también pecas a esa edad, pero no hay que exagerarlas. 

El dibujo de la cabeza de grupos de esa edad requiere una larga práctica.

Como dibujar bocas

Hoy simplemente os dejo un ejemplo de como dibujar unas bocas realistas. La boca es una parte importante del dibujo, ya que da personalidad y realismo a este. No hay mucho que explicar, simplemente dibujad y pasaroslo en grande aprendiendo un poquito más.
Las últimas bocas las he encontrado hoy, y he querido aumentar el post. Son algo más realistas y bonitas. Pero conllevan más dificultad también. Así que empezad por las primeras y si os animais a por las segundas!! Vais a hacer unos retratos expectaculares.

Proporciones de la cabeza de un niño preadolescente

Los niños de diez o doce años son más dificiles de dibujar que los niños menores o adultos. A esa edad las características de la cabeza están bien establecidas, y algunos niñoas ya tienen aspecto de adultos. Pero existen indicios muy seguros para indicar la edad de ese grupo. Los ojos alcanzaron la línea media, y el espacio que media entre la línea del pelo y la cúspide de la cabeza es de tres cuartos de unidad en vez de media unidad como en el adulto. En el adulto la línea atraviesa los ojos pasando por los ángulos  exteriores, mientras en el niño casi adolescente el ojo entero está por debajo de esta línea. La nariz está algo por encima del segundo cuarto en la mitad inferior del rostro. El labio inferior toca la línea del tercer cuarto.
El desarrollo de la oreja en el niño es notable. La boca pierde su aspecto pueril. Los dientes definitivos han reemplazado para contenerlos. Las ventanas de la nariz se desarrollan y los cartílagos se ensanchan. El hueso del puente de la nariz se desarrolla con más lentitud y por esa razón muchos niños guardan una nariz respingona bien entrados en la adolescencia.
Esta es la edad de las pecas. Es también la edad de las travesuras y de la felicidad, como lo muestra la expresión. El cabello es rebelde; los incisivos parecen muy grandes. El frente de la mandíbula se desarrolla, mientras que el ángulo debajo de la oreja sólo crece más tarde. Una mandíbula ancha y cuadrada es el rasgo que produce más aspecto de madurez. Si deseáis que un rostro tenga aspecto juvenil, redondead los ángulos de la mandíbula.

Proporciones de la cabeza de una niña mayor de 3 años

Las proporciones de la cabeza son prácticamente las mismas que las del niño. Los ojos de las niñas son más grandes y la mandíbula y mentón más redondos. A menudo el pliegue del párpado superior apenas si se ve sobre el ojo. Las líneas de contorno son generalmente más redondas en las niñas. Saberlo ayuda para dar un aspecto más femenino a la carita; el emblocamiento o las formas cuadradas confieren a lo niños aspecto más masculino. En las niñas la frente es más alta en edad temprana que en los niños. Personas autorizadas pretenden que se debe a que ciertas cualidades mentales se desarrollan más temprano en las niñas que en los niños. Quizás se deba a ello una frente más alta y amplia. No lo sé. Lo único que sé es que la línea del pelo más baja hace que los niños parezcan más viriles, mientras una frente amplia hace que una niña sea más femenina. La manera de tratar el cabello ayuda mucho para el dibujo de niñas.
No se debe dibujar la boca demasiado grande o demasiado negra en una niña. Puede conferirle el aspecto de un adulto, o un efecto teatral que no conviene a los niños. El cuello de la niña es redondo y pequeño en relación con la cabeza. El pliegue que hay entre el cuello y la mandíbula raramente llega a la oreja; está siempre algo por debajo. Tampoco es muy marcado. A menudo la parte  superior de la frente es algo promimenente. Los planos de la cara son redondeados, pero no hay que dibujarlos con demasiada suavida o parecerán fotográficos, Hay que emplear algo de emblocamiento para el cabello. La oreja es delicada y toca la línea media. Las cejas son también delicadas

Proporciones cabeza de un niño mayor de 3 años

En los primeros años de la niñez las proporciones son semejantes a las del bebé. Pero luego la cara se vuelve más estrecha y cabe en el cuadrado del dibujo visto de frente. Los ojos prominentes sólo quedan bien en los niños pequeñitos. La mandibula y mentón del niño del cuadro han crecido, haciendo que este útlimo sea más prominente. El puente de la nariz es más alto, y la nariz algo más larga, tocando casi la base del segundo cuarto. Los labios tocan la línea de abajo del tercer cuarto. El pelo crece en edad muy temprana. Esto acentúa el tamaño del cráneohaciendo que la cara parezca más pequeña y aumentando el encanto del niño. Si el niño tiene pelo rizado, la madre suele dejárselo tan largo que lo vuelve ridículo. Conviene por eso conocer el tamaño real del cráneo.
Es muy difícil que un niño se quede quieto; para dibujarlo, como ocurre con los bebés, es mejor practicar con fotografías y recortes. La oreja debe quedar a la altura de la línea media. La nuca de los niños parece muy grande; se debe ello a que el cuello es débil y a que los músculos que los unen a la base del cráneo aún no se han desarrollado.
Es necesario observar que las ventanas de la nariz han crecido y que el labio superior es más corto. La oreja crece considerablmente durante ese período y el siguiente. Según mi parecer las orejas han llegado a su completo desarrollo entre los diez y doce años. El espacio que media entre la nariz y la oreja es aún muy grande. Las pestañas son muy largas. El pelo tiende a cubrir las sienes.

Cabeza del bebé 2º y 3º año

En los años segundo y tercero, los ojos están a mitad de camino de la parte superior del cuarto espacio que he designado con el nº1. La nariz y boca parecen también haber subido, y las cejas están también por encima de la línea media. Ahora los labios tocan la base del tercer espacio. La oreja no llegó aún a la línea media. Sin embargo, la cara llena los tres espacios: de la línea del pelo a las cejas, de éstas a la base de la nariz, de la base de la nariz a la base del mentón. En realidad estos tres espacios están aún condensados, y cada uno de ellos crecerá más. Pero las proporciones se mantienen entre uno y otro mientras crecen. La oreja está aun debajo de la línea media horizontal. Observad la línea dividad en tercios en la mitad derecha del primer dibujo.
Facilita en bebés y niños emplear cuatro divisiones en vez de usar las tres divisiones de la cara adulta. Aunque la cabeza es más pequeña, los espacios que hay entre los rasgos son proporcionalmente más anchos. Los ojos están muy separados; el labio superior es más largo; el espacio entre oreja y oreja parece muy ancho. Tendreís que luchar mucho con estas proporciones para que un bebé tenga aspecto de bebé y no de viejito calvo. La boca de bebé está más cerrada cuando se relaja. El labio superior se levanta en medio y por regla general es saliente. El mentón es pequeño y retraído, y muchas veces tiene debajo un pliegue de gordura. Las orejas de bebé son muy diferentes, algunas muy pequeñas y otras grandes. Generalmente son redondas y parece gruesas comparadas con la cara. Las cejas de bebé son claras y finas o casi transparentes. Se ven mejor en los niños de pelo oscuro. La nariz es casi siempre pequeña y respingona, y muy redonda. El puesnte de la nariz es redondeado por no haber tenido tiempo para desarrollarse. Las mejillas son amplias y llenas.

Proporciones cabeza del bebe 1º año

En el cráneo infantil ocurren rápidos cambios desde el nacimiento hasta el primer o segundo año. En la infancia el cráneo adopta su forma definitiva. La forma original se debe a presiones prenatales y al grado de dureza del hueso. Después del nacimiento los huesos tienden a ajustarse a las condiciones que les son impuestos, el crecimiento del cerebro, la soldadura de los huesos fontanelas, dejados abiertos por la naturaleza para facilitar el alumbramiento. Los tipos raciales de cráneo son heredados, pero el tipo individual se debe muchas veces a la casualidad.
El cráneo en el bebé es mucho más grande en proporción a la cara en el adulto. La cara hasta las cejas ocupa un cuarto de toda la cabeza. Por eso los ojos están debajo del punto medio. Conviene para emplazar el rostro del bebé emplear los cuartos de punto. La nariz, los ángulos de la boca y el mentón coinciden casi exactamente con esos puntos.
A medida que la cabeza del bebé se desarrolla, la cara se alarga en proporción al cráneo, por tanto, los ojos y las cejas se desplazan en altura. En realidad, el desarrollo del maxilar inferior lo alarga hacia abajo, y la nariz y el maxilar superior igualmente se prolongan. A causa de esos cambios los ojos del adulto, y del adolescente están en la línea media de la cabeza. Importa saberlo porque el emplazamiento de los ojos en relación con la línea media es la manera más exacta de establecer la edad de un niño. El iris está completamemente desarrollado en el bebé, y su tamaño no aumentará; por consiguiente, los ojos parecen más pequeños en el rostro adulto. No obstante, la abertura de los párpados se ensancha, y así vemos una mayor parte del globo del ojo en el adulto que en el niño.

Método para dibujar una cabeza de frente

La cabeza promedio tiene aproximadamente el ancho de 5 ojos. Estos se encontrarán debajo de los nº 2 y 4. Pocas veces, varían 2, 3 y 4; 1 y 5 pueden angostarse. Las  patillas y el largo de las pestañas pueden dar la impresión de que las distancias 1 y 5 son más cortas.
La forma general de la cabeza dista mucho de ser un círculo. Es más bien de forma ovalada, con la punta más aguda abajo.
Después de diseñar ligeramente la forma ovalada, divídase en dos a lo largo y a lo ancho.
Los extremos interiores de los ojos se encontrarán en esta línea. Los rabillos exteriores pueden estar en ella o más arriba. La punta de la nariz está a ojo y medio de distancia de la línea central.
Cuando se mira la cabeza de frente, las orejas tienen el largo de la distancia entre la parte superior de los ojos y la parte inferior de la nariz.
El ancho del ojo (abierto a un tamaño normal) es la mitad de su largo. La ceja promedio está arriba, a otro medio ojo de distancia; esto varía algo según los tipos.
El ancho promedio de la boca femenina es de medio ojo. La distancia de la parte superior de la boca hasta la nariz es otro medio ojo. El ancho del labio superior es generalmente 2/3 de la altura de la boca.
Muchos estudiantes no pueden construir un rostro bien proporcionado porque violan la ley de la igualdad de la composición de rasgos faciales. Los rasgos individuales, además de estar bien dibujados, deben estar en el lugar debido, de lo contrario todo parecerá falso.
Si se mira la cara de frente, las distancias A, B y C deberán ser iguales. Asegúrese de excluir las pestañas (Hay algunos rostros atractivos que son excepciones, pero esa es la regla.
Como se afirmaba en el primer párrafo, la cabeza promedio tiene 5 ojos de ancho. Puede haber ciertas diferencias donde aparecen las líneas punteadas. Desde la parte externa y superior de los agujeros de la nariz, hasta el ojo hya otro de distancia. La propia nariz tiene un ojo de ancho.
Los errores corrientes son: ojos demasiado próximos, narices demasiado alejadas de los ojos, barbillas demasiado grandes, etc. Simplemente respetar esta precaución del triángulo ayudará a coloar correctamente los rasgos.
También puede ayudar el que la distancia del ojo puede hacerse girar alrededor del labio inferior y de la parte de abajo de las mejillas para definiar el controno del rostro.


Aquí tenemos un diagrama siniestro con la unidad-ojo realmente  situada en las direcciones previamente señaladas.
AEn el dibujo de al lado está la cara con los rasgos tal cual estamos acostumbrados a ver.

Construcción de una cabeza con el método del doble círculo

Este es un método que encontré en internet. Creo que es rápido y práctico y a más de uno le puede servir de apoyo por lo menos a la hora de comenzar un retrato. Yo os lo dejo aquí y vosotros ya valorareis.

Construcion de la cabeza femenina

Las proporciones totales de la cabeza femenina difieren levemente de las de la cabeza masculina, pero la estructura ósea y muscular es más frágil y menos prominente. En el arte comercial los tipos femeninos de mandíbula firme gozan de mayor preferencia que los de curvas redondeadas. Las cejas de la mujer están algo más altas que las masculinas. La boca es más chica; los labios más llenos y redondeados, los ojos algo más grandes. No hay que señalar demasiado los músculos de las mejillas y mandibulas.

La construcción del tono con los planos

En este dibujo podeis ver los planos tratados como superficies planas teniendo cada una su propio valor entre la luz y la sombra. Los planos muy claros deben tener escaso tono y tienen que tratarse con suma delicadeza. Dirigiendo el trazo, lograréis un cambio en el plano sólo con un ligero toque de valor. Aumentaréis la solidez si hacéis que todos los planos iluminados prezcan más claros de lo que son realmente, y los planos en la sombra algo más oscuros.

Modelado de los planos

Para fundamentar el estudio del efecto de la luz sobre la forma, examinad el siguiente dibujo e imaginad como actuaria sobre el un punto de luz. Donde se iluminaría más, que zonas quedarían en medios tonos y cuales en sombra. La sombra se oscurece a medida que la forma se aleja de la luz. Una sola luz es siempre fácil de dibujar, más luces cortan los tonos de sombra, haciendo que todo se complique. Pensad ahora en términos de zonas uniformes en tonos variables, y olvidad completamente las arrugas de la superficie.

Construción nariz y oreja

La aparariencia de la nariz y de las orejas se ve afectada por el punto de vista desde el que se dibuja. Es más importante emplazarlos en posiciones correctas  en la construcción de la cabeza que dibujarlos detalladamente. La forma de la nariz y orejas suele variar mucho, pero no así su construcción básica. Las ventanas de la nariz deben situarse al mismo nivel en la línea que corre desde la base de la nariz hasta la de las orejas. Es conveniente practicar el dibujo de nariz y orejas desde todos los ángulos hasta familiarizarse completamente con su emplazamiento en cualquier posición de la cabeza.

Mecánica de los labios

Los labios tienen como el resto del rosto 3D. El labio cuando se ve de lado es facil proporcionarles una apariencia de resalte o tridimensional. Pero cuando se ven de frente tienden a parecer más bien planos. La forma que tenemos de darles una imagen en 3D es a través de las sombras como se puede ver aquí. Teneis múltiples movimientos para que estudieis y practiqueis. No obstante estos son movimientos sobre un solo tipo de labios. A la hora de retratar os encontrareis con distintas formas en el dibujo de estos. Desde labios muy carnosos como los de Angelina Jolie, hasta labios carnosos en su parte superior y finos en la inferior, el caso contrario, finos en la superior y gruesos en la inferior, o labios muy finos en ambos. Es muy importante que os fijeis en eso ya que es lo que da personalidad y parecido al individuo que estais dibujando.

La mecánica de los ojos

Anteriormente había puesto un post de como dibujar un ojo para que este no se viera en 2 dimensiones sino en 3 que es como realmente somos. Ahora bien, esa era simplemente una sola posición más que nada para que aprendieseis como son sus sombras y para que habituaseis la mano a pintar y el ojo a como ha de verse.
En este siguiente post os indico multiples formas que adquiere un ojo en función de hacia donde este mirando este.
Como podeis ver en el recuadro de la zona izquierda superior, el ojo no es otra cosa que una esfera que alberga el iris y la pupila. Esta esfera va dentro de una cavidad osea que la protege de los golpes y además va recubierta de piel. Cada vez que dibujeis un ojo teneis que recordar que parte de esa esfera sobresale de la cavidad en la que se encuentra, darle un aspecto de 3D. Y que sobre esa esfera, se encuentra una capa de piel, no a la misma altura sino sobre ella. Así conseguireis un efecto tridimensional y realista.

Dibujo de la cabeza en unidades

Aquí se muestra el empleo de la escala en la práctica. El círculo representa la bola, y el ancho es el de la cabeza incluyendo las orejas. La cara tiene un ancho de unas dos unidades y los ojos caen en las mitades del medio o en los cuartos de las dos unidades(observad el dibujo superior derecha). Esto coincide con las divisiones de la bola y del plano con los que estáis ya familiarizados.

Planos básicos y secundarios de la cabeza

Los planos de la cabeza deben aprenderse de memoria, porque nos dan la base para dibujar la cabeza en la luz y en la sombra. Empezad con los planos básicos (arriba, izquierda), y estudiadlos hasta fijarlos en vuestra mente. Luego tomad los planos secundarios. Con esta serie de planos se puede dibujar cualquier cabeza. La superficie varía con el carácter individual, pero con los planos de esta página conseguiréis una cabeza masculina bien proporcionada.

La línea media de la cara

En primer lugar para dibujar un rostro bien proporcionado empezad por situar los rasgos cuidadosamente.
Si habéis dibujado la bola, el plano y sus divisiones, no os costará situar los rasgos. No obstante, es imposible colocar adecuadamente un rasgo a menos de situarlo  correctamente y en armonía con las líneas de construcción de toda la cabeza. Todo artista experimenta inconvenientes con la construcción, pero no debe desanimarse por ello. El dibujo de una cabeza depende de la construcción, como un edificio, un coche u otro objeto tridimensional. La tarea del artista consiste en aprender a construir cosas tridimensionales  en una superficie bidimensional. Debemos considerar lo que dibujamos en su totalidad y observar cómo se presentan sus dimensiones  desde nuestro exclusivo punto de vista. Representar en tres dimensiones demanda conocimiento y estudio. Pero ese conocimiento no es más difícil  que el requerido por cualquier otro campo de estudio. Por grande que sea vuestro talento, debe ser secundado por el conocimiento si queréis hacer algo bien, Cuando la búsqueda del conocimiento nos causa placer, la mitad de la batalla está ganada. La construcción no tiene por qué preocuparos; se logra con la práctica.

La cabeza común

Las medidas y las proporciones de la cabeza son variadas. No obstante, le será más conveniente al artista recordar una escala de proporciones simplificada y construida a base de términos medios para sus medidas básicas. La cabeza vista de frente cabe perfectamente en un rectángulo cuyo ancho tiene tres divisiones y el alto tres y media. Esta escala deja algún espacio en el borde exterior de las orejas. La mitad de la medida de esas unidades nos dan el lugar de los ojos, de la nariz y nos ayudan a ubicar la boca y sitúa también la linea de los ojos a mitad  de la división de la cabeza desde la cúspide hasta la base, como debe ser y como es en la mayoría de las caras. Este método de medición en unidades establece la línea del pelo y las tres divisiones frontales de la cara. La cabeza de perfil cabe exactamente en un cuadrado de tres unidades y media de lado. Podéis establecer vuestras propias unidades, lo imporatente son las proporciones.
Estas proporciones, como se ve en el dibujo, se hallaron tras largo estudio y se ofrecen como una sencilla y practica escala de fácil empleo. Esta escala es muy conveniente para el aprochede de la bola y del plano.

Proporciones de la cabeza masculina
Las proporciones comunes para una cabeza de hombre se dan aquí para el frente y el perfil. La escala se recuerda fácilmente. La cabeza tiene una altura de tres unidades y media (optativo), casi tres unidades de ancho (incluyendo las orejas), y tres unidades y media desde la punta de la nariz hasta la nuca. Las tres unidades dividen la cara en frente, nariz y mandíbula. Las orejas, la nariz, las cejas, los labios y la barbilla miden cada uno una unidad. Podéis dibujar ahora una cabeza del tamaño deseado usando propias unidades de medición.

Cómo dibujar una cabeza

Cuando dibujes una retrato y lleves ya mucho tiempo haciendolo, con 4 puntos para designar medidas tendrás más que suficiente. Ahora bien, cuando se empieza, se tiende a hacer dibujos desproporcionados y sobre todo figuras planas, ojos planos, narices, contornos...
La cara como todo elemento de la naturaleza tiene profundidad y la mejor manera de demostrarlo es partiendo de una esfera, esto te ayudará al principio a conseguir ese volumen necesario para que tu rostro parezca un retrato real.
El cráneo tiene más de bola que de otra cosa. Representando la bola como una esfera, establezcamos el eje por un clavo que atravieesa de parte a parte. Por medio de los centros que fija el eje, dividiremos la bola en cuartos y luego en el ecuador. Ahora bien, si a cada lado le sacamos una tajada delgada, habremos obtenido una forma básica semajante al cráneo. El "ecuador" es la línea de las cejas. Una de las líneas que atraviesa el eje es la línea media de la cara. A mitad de camino entre la línea del ceño y el eje, establecemos la línea del  pelo o parte superior de la cara. Tiramos la línea media hasta la base de la bola. Ahí marcamos dos puntos casi iguales al espacio de la frente, o al de la línea del ceño a la del pelo. Esto nos da la longitud de la nariz, y más abajo la de la base del mentón. Podemos trazar ahora el plano de la cara dibujando la línea de la mandíbula, que conecta a mitad de camino la bola en cada lado. las orejas se colocan en la lína media (abajo y arriba) a una distancia igual al espacio que hay entre el ceño y la base de la nariz. La bola puede tomar cualquier posición.

Pintar colores perfectos de piel III

Antes que nada, siento haber tardado tanto en poner la 3º parte de este artículo. La verdad es que últimamento no dispongo de tanto tiempo como me gustaría, pero...Os mereceis el final, que siempre es lo mejor. Más ejemplos prácticos que es la mejor manera de aprender

Manchado de tinta, óleo sobre lienzo, 35x27cm
En este estudio de la fotografía, los tonos de piel son saturados, realzados por una fuente de luz cálida (un bulbo rojo-amarillo incandescente, sobre 3400 grados Kelvin) y que tiende un poco más al extremo amarillo del espectro que a la rojo. Su piel es de un oscuro medio. El telón de fondo de color verde oscuro la envuelve en grises pardos tirando a  verdes, añade un hermoso aspecto verdoso que envuelve los tonos de la piel en sombra.

 Había algunas otras sutilezas que no aparecieron en mi estudio inicial. En primer lugar, una ligera influencia de enfriamiento de la luz natural que entra por detrás y a nuestra izquierda, que me dejan ver violetas y azules en algunos de los planos de su cara, especialmente por encima de la ceja y en el pómulo derecho.

Los planos bajo la barbilla reflejan algo de color ambiente en su brillante sombra. En la foto de la izquierda, puedes ver fácilmente que en la piel aparece un color rojo-anaranjado bastante uniforme y en la sombra aparece un aburrido, gris pardusco.

 

Josie, óleo sobre lienzo, 76x61cm
Josie es una pelirroja natural, de piel clara, cuyos tonos de piel funcionan un poco hacia el extremo rojo, y cuyo rostro tiene pecas que son tan característica de su grupo de tono de la piel. Este retrato fue pintado por completo de fotos. Fotografié sus interiores con una cálida luz fuerte, ya que sabía que iba a estar representándola en un escenario al aire libre en la luz solar directa.

 

 Daniel, óleo sobre lienzo, 51x41cm
Daniel tiene un tono medio de piel estilo mediterráneo, en la fotografía estaba bastante saturado y estaba iluminada por una luz cálida. A medida que su retrato estaba más acerca de las sombras que de la luz, he optado por enfatizar los colores dentro de las sombras.

Pintar colores perfectos de piel II

Como el reportaje que os puse anteriormente era algo extenso, decidí dosificaroslo en dos partes. He aquí la segunda parte en la cual explica con ejemplos de cuadros suyos su manera de trabajar.

Nellie, óleo sobre lienzo, 41x50
Pintado en un estudioreal, esta modelo estaba iluminada por una luz incandescente caliente, rodeada por un valor de fondo marrón cálido. Iba vestida con una blusa blanca y chaqueta de color rojo oscuro, el color reflejado de la chaqueta influye en la sombra de la mejilla, mientras que la blusa blanca refleja la luz debajo de la barbilla.



Carmen, óleo sobre lienzo, 61x46cm
Carmen tiene ojos y pelo de color marrón oscuro, y un tono de piel que está a media luz en el valor. Pintado totalmente a partir de fotografías, le hice la fotografía con 6500 grados kelvin de luz, aumentado por una luz natural que habia en la habitación que estaba orientada hacia el norte. La iluminación fría la he reflejado en los destellos de azul en los ojos y violetas en los aspectos más destacados de su piel y el cabello.

Pintar colores de piel perfectos

Hoy os voy a escribir un interesante artículo del artista Chris Saper. En este él nos revela como observar y mezclar los colores para crear un tono de piel perfecto y vibrante. Este artículo está sacado de la edición de Julio del 2012 de la revista Ilustradores.

 Más de 280 colecciones de todo América son retratos pintados por Chris Saper, así que sabe una cosa o dos acerca de lograr una semejanza exacta. Aquí se revela cómo observar y mezclar los colores de la carne para crear tonos perfectos y vibrantes.

Los retratos pintados de la vida tienden a transmitir una inmediatez, una explosiva frescura y vitalidad que expresa la interacción en vivo entre el pintor y subjeto. Mi mayor objetivo como artista profesional es pintar a la gente que posa para mi como los individuos únicos que son, con el color vivo fresco. En este artículo, voy a compartir algunos simples pasos que tomo para hacer mis retratos tan convincentes como puedo.

Identificar y evaluar
Toda la piel contiene algunas combinaciones de un color naranja básico, es decir: contiene algunos elementos de color rojo, amarillo y blanco. La mezcla de color precisa para qualquier tema, ya sea bodegones, paisajes o retratos, implica preguntando tres preguntas básicas acerca de lo que está observando:

-¿Cuál es el color o el matiz local?
Por ejemplo, si el matiz de la hoja de una planta es de color verde, evaluar si se tiende hacia un azul-verde, una amarilla-verde o un verde medio. En el caso de un sujeto humano, hágase las mismas tres preguntas: ¿qué tipo de naranja? ¿El tono de la piel tienden hacia el rojo-naranja, hacia el amarillo-naranja, o está en el medio?

-¿Cuál es el gama de piel del sujeto?
Nadie tiene la piel en blanco o negro, en realidad se estará evaluando una gama más estrecha de valores para determinar cómo puede ser tez clara u oscura de un individuo. 

-Cómo saturada es la piel del sujeto?
Algunos tonos de piel pueden contener naturalmente una gran cantidad de colores vivos, y todo el color de la piel pueden ser influenciado aún más por la exposición al sol, la edad, el estado general de salud o enfermedad, el tabaquismo o la vida al aire libre durante muchos años. 

La paleta correcta.
Los estudiantes me preguntan como proporcionar una paleta para la piel "caucásica" o los tonos de piel "negra", y a menudo se sienten frustrados cuando les digo que no hay tal cosa. Si bien siempre existe una manera de mezclar pintura para el tono de la piel de un individuo, bajo una fuente de luz en particular, y con el color específico de ambiente (la ropa, fondo,ect. Aun así sucesivamente), cada sujeto y las condiciones de iluminación varían tan ampliamente que sería muy básico simplemente pintar un retrato con algunas receta generalizadas.
Para mis pinturas yo sule usar la gama de colores que se muestra arriba. Sólo de vez en cuando suelo añadir un poco de  amarillo indigo cuando pinto rubias o indigo cuando el dolor de los ojos es azul. Por tanto este conjunto de colores le permitirá mezclar cualquier tono de piel imaginable.
La mayoría de los fabricantes de pintura producen colores similares, pero de vez en cuando te encuentras variaciones, los colores de sombra natural de la marca Grumbacher son los que prefiero. También utilizo monocromos de  tono cálidos y fundiciones verdosos de Holbein, estos son colores que no se encuentran en las gamas de otros fabricantes.

Interpretación de fotos
Suele suceder muy menudo el que un artista se base sólo en referencias fotográficas, sin el beneficio de la práctica regular de la vida. El retrato que aparece es generalmente el resultado de la copia literal de una referencia fotográfica, sin la edición que se consigue mucho más fácilmente durante un sentado en vivo.
Hay tres problemas principales inherentes a las fotografías: color falso, los valores comprimidos y calidad de los bordes sin editar. Por el contrario, sólo hay dos ventajas reales como tal cual yo lo veo:
 En primer lugar, la foto no se mueve, y en segundo lugar, usted puede trabajar en su tiempo libre y en su propio horario.
Si usted encuentra que tiene que trabajar a partir de fotos, que se necesita para ser referencias adecuadas: la exposición correcta con una resolución suficiente, con la luz direccional (en comparación con destellos directos) e interesantes patrones de sombra.
Cuando se observa el sujeto vida real, usted será capaz de ver el color de piel, cuando está pintando a partir de fotos, tendrás que depender también de lo que ya sabes.
La temperatura de color de la fuente de luz es importante. La luz cálida tiende a producir sombras relativamente frías y lo contrario también es cierto: luz fría tenderá a producir sombras relativamente más cálidas.

También el saber interpretar los colores de la sombra es importante cuando se utilizan fotografías. Las sombras se caracterizan por sus valores (más oscuro que las zonas iluminadas), contraste (contraste bajo la sombra de la luz) y su saturación (menos saturada que áreas en la luz, independientemente del color de la fuente de luz)Los valores de sombra en las fotos son artificiales, falsos en las zonas más claras y demasiado oscuros en las sombras porque esas zonas se han convertido en comprimidas, por lo que el rango de valores intermedios se vea comprometida. Color de la sombra vista en las fotos no suele ser útil.
Pintur tonos de piel con precisión es alcanzable para todos los artistas, mediante la combinación de lo que se observa con lo que sabes sobre el color. Entender los peligros y problemas inherentes en las fotografías le permitirá evitar errores. La verdadera clave es utilizar sólo los mejores referentes de calidad fotográfica y, por supuesto, practicar regularmente de vida real.



Retrato del bailarín, óleo sobre lienzo, 46x35cm (dibujo zona superior)
Aunque mi modelo tenía el cabello naturalmente muy rubio, piel muy blanca y ojos de color azul claro, su tono de piel todavía tiene color hermoso. Guardé el color observado en la vida real, cuando se sentaba para mi para hacerle el retrato, haciendo pequeñas "notas de color" en un lado del lienzo, por lo que podía hacer referencia a lo que en realidad observada en nuestro posado. Usted puede ver por la foto impresa lo mal que se representan los valores y el color, y lo difícil que sería para pintarla así, apoyándose sólo en las fotos.
Por respeto a mi color inicial y observaciones de valor y color, cree una pintura que se ve tan fresca como si se hubiera pintado totalmente de un posado. También sabía que la luz en ella estaba bastante fría (unos 65.000 grados kelvin, similar a la luz del norte clásica) y seguí utilizando mi recuerdo. Para el resto terminé la pintura de mi fotografía.