miércoles, 30 de abril de 2014

Obtener colores apartir de 3 colores básicos

En el post anterior hablabamos de colores luz, pero a la hora de pintar no se usan colores luz sino colores-pigmento.
Los colores pigmento son sustancias colorantes aglutinadas en aceite (en el caso del óleo), goma arábica (en las acuarelas) o en cualquier otro producto que permita extenderlas y adherirlas sobre papel, tela, madera, etc.
En este caso los colores primarios son los que serían los secundarios luz y, viceversa, nuestros secundarios son los primarios luz.
Por tanto nuestros colores primarios serán:
azul cian, magenta y amarillo
Los colores secundarios se obtendrán a partir de la mezcla entre sí de los primarios:
magenta +amarillo= rojo
amarillo + cian = verde
cian + magenta= azul intenso
Mezclando un color primario con el secundario más próximo dentro del círculo cromático, obtenemos a su vez los colores terciarios:
amarillo + verde= verde claro
verde + cian= verde esmeralda
cian + azul intenso= azul ultramar
azul intenso + magenta= violeta
magenta + rojo= carmín
rojo + amarillo= naranja
 
Hay que tener también en cuenta que la mezcla de los colores-pigmento tienden a generar colores oscuros. Mezclando los tres colores primarios en proporciones iguales obtenemos el color negro, que es la ausencia de la luz. Por esta razón, también debemos de trabajar con el color blanco.

martes, 29 de abril de 2014

Teoría del color

A la pregunta ¿Qué es el color?, el sentido común responde que el color es una propiedad de los objetos (el vverde de la hierba, el blanco de la nieve, el rojo de la sangre, etc). Esto es lo que dicta la experiencia también nos dice que en la luz última de la tarde todo parece más azulado, o que un paisaje cambia sus colores cuando una nube oscurece la luz del sol, o que todo parece gris en la penumbra de una habitación. El sentido común nos dice que en la completa oscuridad no existe los colores. 
La ciencia del color da un paso más y afirma que el color de los cuerpos es igual a la luz que reflejn, que el color es luz. 
El arco iris es una expectacular demostración de esa teoría; no corresponde a ningún cuerpo sólido, es la misma luz del solo dispersad en sus componentes a causa de las gotas de la lluvia. Hace doscientos años, el físico inglés Isaac Newton utilizó un pequeño "arco iris" para demostrar su teoría de que los colores son propiedades de la luz y que ésta es la suma de distintos colores.
Newton interrumpió con un prisma de cristal la trayectoria de un delgado rayo de luz solar que entraba por una ranura en la oscuridad de la habitación, dando lugar al fenómeno del espectro cromático, un abanico de luz coloreada compuesta por el rojo, el anaranjado, el amarillo, el verde, el azul cian, el azul intenso y el violeta. A continuación Newton colocó un segundo prisma (en posición invertida con respecto al anterior) y el espectro volvió a recomponerse en un rayo de luz blanca.
Quedó demostrado que la luz blanca es la suma de los colores del espectro. Años después, el doctro Thomas Young precisó aún más: combinando linternas de luces coloreadas (las correpondientes al espectro cromático), llegó a la conclusión de eque sólo eran necesarias tres de ellas para restituir la luz blanca. Superponiendo parcialmente las proyecciones de luz verde, azul y roja sobre una pantalla, aparecían el resto de las luces coloreadas del espectro. La total superposición de los haces daba lugar a la luz blanca. 
Esta es la lógica de la luz, de los colores-luz:sumando colores-luz obtenemos colores más claros porque estamos sumando luz, estamos realizando una síntesis adictiva. Sumando rojo al verde obtenemos el amarillo, sumando verde al azul aparece el cian y superponiendo la luz azul a la roja obtenemos el color magenta (un rosa muy intenso). Rojo, verde y azul son los colores básicos, llamados colores-luz primarios. El amarillo, el cian y el magenta son colores compuestos llamados colores-luz secundarios.
Ahora podemos entender el porqué del color de los objetos. Un limón por ejemplo, refleja sólo una parte de la luz que lo ilumina, la parte compuesta de los colores rojo y verde, es decir, refleja el color luz secundario amarillo. Un muro encalado refleja toda la luz que recibe, es decir, la suma de todos los colores-luz: el blanco. Un terciopelo negro absorbe toda la luz recibida, su color negro es, para la teoría que nos ocupa, ausencia total de color. 
Si la síntesis de los tres primarios proporciona la luz blanca y sabemos también que un color-luz secundario es producto de la suma de dos colores-luz primarios, bastará sumar un cierto color primario a otro secundario para obtener esa luz blanca. Podemos reunir tres parejas que cumplan esta propiedad: rojo-cian, azul intenso-amarillo y verde-magenta. El primer color de cada uno de estos pares es primario, el segundo color es un secundario obtenido por la suma de los otros dos primario. Estas parejas de colores reciben el nombre de colores complementarios.

domingo, 27 de abril de 2014

sábado, 19 de abril de 2014

Como dibujar una imagen inventada

Habíamos hablado en el post anterior de hacer una ilustración sobre una excursión por el campo.
Para ello tenemos que hacer primero bocetos previos, el tema ya lo tenemos: dos chicos y una chica cruzan un arrollo (por ejemplo); la chica resbala y cae al agua y los chicos se ríen de ella, sin saber que un oso los mira. Queremos darle un tratamiento divertido: ¡Sólo la chica puede ver el oso y va a dar un buen susto a sus amigos que se burlan de ella!
Como podeis ver vamos a realizar una composición compleja. Esto conlleva darle muchas vueltas al dibujo antes de hacer el definitivo. De ahí la importancia de los bocestos. Esta importancia la comprenderás mejor después de ver los siguientes dibujos.
 En el dibujo nº1 puedes ver un planeamiento algo aburrido. Ya habíamos dicho anteriormente que tenemos que tratar de huir de las composiciones simétricas.

En el dibujo nº2 ya vemos una mejor composición, pero teneis que elegir bien el punto de vista. Aquí no vemos la expresión de los chicos (¿se están riendo?), ni la cara del oso (¿es un oso?)

En el dibujo nº3 ya podemos ver bien a los cuatro protagonistas, pero aparecen problemas:
-Equilibrio: el dibujo "se cae" hacia la derecha, hay mucho peso sobre esa zona.
-Proporciones: el oso es demasiado grande y las montañas, demasiado pequeñas.

En el dibujo nº 4 ya podemos ver que hemos corregido la mayor parte de los problemas que se nos presentaban en el nº3. Pero ahora nos falta definir el centro de interés. ¿Queremos que los ojos del espectador se fijen más en la chica, en los dos chicos o en el oso?

En el dibujo nº5 ya podemos comprobar cual es el verdadero centro de interés. La aparición del oso y el susto que les va a dar a los chicos es la verdadera anécdota del dibujo. Ahora sólo falta imprimir un poco de dinamismo a los personajes, para que no parezcan marionetas.

En el último dibujo podeis ver ya la imagen terminada. Habeis conseguido un composición compleja con una imagen inventada.
Todas estas reglas, ensayos, bocetos, correciones... Que ahora os parecen tan largos y laboriosos se vuelven más sencillos a medida que el dibujante adquiere práctica. Es entonces cuando se dice que "el lápiz dibuja solo".
Así que a trabajar y a disfrutar!!!!








jueves, 17 de abril de 2014

La composición compleja

Cuando un dibujo tiene muchas partes, todas ellas importantes, decimos que estamos ante una composición compleja. Abordar la realización de una composición compleja es la mayor meta del dibujante porque es entonces cuando tiene que poner en práctica, a un mismo tiempo, todo lo aprendido.
Hay que encuadrar, elegir el punto de vista, decidir cuál es el centro de interés, trabajar las proporciones, utilizar la perspectiva, equilibrar todos los componentes del dibujo...

En el primero de los dibujos se puede ver una composición sencilla y en el dibujo de la derecha tenemos un claro ejemplo de lo que es una composición compleja.
Y, como no, hay que hacer varios bocetos previos, repitiendo y variando la estructura del dibujo hasta conseguir la adecuada. Porqu elo más importante en el dibujo es la elección de la composición.
La composición, más que el estilo, es lo primero que hace personal un dibujo, diferenciándolo del de otro dibujante.
Todo esto se entenderá mejor si, en lugar de trabajar en un dibujo basado en un modelo real, se hace la composición de una imagen inventada.
Por eso, os propongo un ejercicio: imaginad que os han encargado una ilustración conn un tema determinado, por ejemplo: una excursión por el campo.
Antes de empezarlo tendrás que hacerte dos preguntas:
-¿Qué quiero contar con mi dibujo?
El tema
Debes decidir cuántos personajes salen en el dibujo, dónde se encuentran, cómo están situados, qué hacen, qué ambiente les rodea, etc.
-¿Cómo lo quiero contar?
 El tratamiento
Tienes que pensar en la intensidad de la acción que quieres describir: de mucho movimiento, de calma, de expresión, de tensión, etc.
De cada una de las ideas que tengas de cómo enfocar un tema y del tratamiento, tienes que hacer un boceto rápido y de aquí saldrá la elección de la composición definitiva.
No coloques "adornos" inecesarios. En una composición compleja, cada elemento tiene una función. Si no es así, mejor que no aparezca porque molestará. 

miércoles, 16 de abril de 2014

Composiciones Cerradas

Las composiciones basadas en elementos de dibujo básicos como son: un cuadrado, un triángulo o una circunferencia, son las llamadas composiciones cerradas. Tienen el peligro de que, como son figuras simétricas, al resultado les falta algo de encanto. Por lo cual tenemos que trabajar bien la composición. 
Para ello vamos a ver tres ejemplos:
-En los dos primeros dibujos la composición se ha basado en el cuadrado. En el dibujo de la izquierda el dibujante se conforma con lo primero que encuentra. En el dibujo de la derecha un dibujante más valiente consigue este resultado con lo mismo, más un toque de perspectiva. ¿Verdad que es más interesante? 
 
-Ahora la composición se ha basado en el triángulo.
En el dibujo de la izquierda se ve a un hombre esperando con las maletas en el suelo. Una imagen proporcionada, correcta, pero aburrida.
En el dibujo de la derecha con tan solo mover un poco los elementos, la imagen consigue más expresividad aunque sigue estando basada en el mismo triángulo. Fijaros también que como técnica rellena más los huecos en blanco, tienen más conexión los objetos entres si.

-Ahora la composición está basada en el círculo.
Este tipo de composición tiene el peligro añadido de ue el ojo no sabe cómo entrar o salir de ella. Se ve bien reflejado en el dibujo de la izquierda.
Pero si ponemos algo en el primer plano, como en el dibujo de la derecha, se consigue romper la monotonía de la simetría. 

La simetría en el dibujo

Es importante conocer la simetría para saber hasta dónde podemos utilizarla en nuestras composiciones sin que resulten aburridas. Si se utiliza bien se puede conseguir facilmente el equilibrio en una composición.
La simetría se consigue cuando al trazar un eje por la mitad del dibujo, la forma, la posición y dimensiones a uno y otro lado se corresponden.
Así que si coges un papel, trazas una línea vertical en el centro y colocas los mismos ( o muy parecidos) elementos en una posición similar a un lado y a otro de sus respectivas mitades, obtendrás una composición simétrica y, obviamente, equilibrada. Pero...El dibujo resulta serio, pesado, monótono, aburrido. 
 La mejor composición sería la segunda que se ha puesto. Resultan dibujos muy diferentes y si te fijas ambos se han hecho con los mismos elementos. 
Por lo tanto no hay que confundir el equilibrio con la simetría. Así que, si vamos a utilizar la simetría en nuestras composiciones, habrá que hacerlo con mucho cuidado.

sábado, 12 de abril de 2014

Un video interesante

https://www.youtube.com/watch?v=HtzOKXQJMT4
 Pues ya sabeis que mi material favorito es el pastel. Del cual como siempre digo no se encuentra tantos tutoriales o libros como de otros materiales.
Cuando empecé a pintar con estos me costó bastante encontrar algo con lo que aprender. Por eso, ahora todo lo que encuentro, lo comparto.

viernes, 11 de abril de 2014

Chica japonesa

Como ya os dije, yo voy aprendiendo con vosotros y voy colgando también mis dibujos. Voy comentando mis trucos y mis errores.
Este dibujo está copiado de uno de los dibujos que hace una artísta francesa. Todos ellos son muy buenos, pero bueno, este me gustó y me dije me va a animar a seguir adelante. 
No se con que material pinta ella, yo como ya sabeis utilizo pasteles. 
En la zona grande lo estendí con el dedo y una ve terminado pase el dedo limpio por algunas zonas para quitar color. Han quedado a mi parecer unos degradados interesantes. 
Otra cosa a tener en cuenta es que cuando hice las sombras de los brazos, di pastel negro, lo extendí y cuando ya estaba casi difumada la sombra, manche el dedo en el rojo del fondo porque si os fijais las sombras llevan u poco de rojo. Me ha gustado el efecto que tiene, las conectan con el fondo.
Después un defectillo que tuve es que pase el rojo por todo el fondo sin respetar el hueco que debía de dejar para las florecillas así que cuando quise poner en color de la flor y por encima de esta otros tonos para hacer sombras y que no pareciesen planas. La hoja estaba tan saturada de color que no me permitió dar el último tono que quería. 
Pero bueno, ha quedado bonito!! Anima a seguir adelante.

El encuadre

No podemos hacer un dibujo infinito, sin principio ni final, puesto que debe tener unos limites a estos les vamos a llamar encuadre.
El encuadre viene de la palabra cuadro. Existe un cuadro que es el espacio limitado donde se ha realizado un dibujo o pintura. Encuadrar es meter el dibujo dentro de estos límites.
Elegir un punto de vista, encuadrar y componer son cosas que ya hacéis en vuestros dibujos, aunque no os deis cuenta. Y si ahora los comento es para que aprendáis cómo funcionan y les saquéis mayor partido. Así vuestros dibujos parecerán los de un profesional.
Para definir el encuadre primero tendremos que fijar un punto de vista en el que queremos realizar nuestra composición. El punto de vista es la posición de los ojos del dibujante respecto al modelo.
Piensa que cuando miras un dibujo lo haces a través de los ojos del dibujante. En este caso, el dibujante ha elegido ver el modelo desde un lugar determinado, y desde ahí lo ves tú también. Su punto de vista es el tuyo.
Básicamente, existen cuatro puntos de vista:
El frontal
En el cual miramos el modelo de frente, o sea, situamos los ojos a su misma alutra y paralelos a él
El oblicuo
Lo vemos desde un lado. Observad que aquí la perspectiva es muy importante.
El Superior
Lo vemos desde arriba. Es lo que los dibujantes llamamos "picado".
El inferior
O "contrapicado". Es cuando veos el modelo dese abajo.

Bueno pues ya sabiendo esto y antes de empezar debemos decidir lo que queremos destacar. Esto será el centro de interés. Las sencillas composiciones que vimos en los posts anteriores tenían poco elementos. Pero si queremos poner mucho elementos en el dibujo, la cosas se complica. Por eso antes de meternos en composiciones más complejas hay que conocer primero dos cosas importantes: el centro de interés y el equilibrio de masas.
Para dibujar se debe saber cómo "escribir lo que en el ocurre" paa que el que lo mire lo "lea" y lo entienda bien.
Anteriormente hemos visto cómo las líneas de composición ordenan las partes de un dibujo, pero conseguiremos que éste nos atraiga más si le damos un centro de interés.
El centro de interés de una composción es la parte que se destaca para que el dibujo se exprese mejor y por tanto se entienda mejor.
Ahora os voy a dar unos trucos de dibujantes para conseguir atraer la atención hacia la parte del dibujo que no interesa resaltar. A esto se le llama guiar al ojo.
El centro de interés de una composción no tiene porqué ser la parte central del dibujo, ni la más grande, ni siquiera la mejor situada. Es, simplemente, el lugar hacia donde nos lleva la mirada. 
Para esto, hay que tener en cuenta que el ojo es listo pero también
perezoso: si no se le guía bien, se aburrirá y ser irá fuera del dibujo a ver cosas más interesantes.
La cuestión es echarle el lazo y llevarlo adonde quieres. Y eso hay que hacerlo con el mismo dibujo: la composción debe ser como un camino que conduce al ojo al centro de interés.
Esto se puede conseguir de varias maneras, pero las más utilizadas son:
1. Usar las líneas de fuga para que nos lleven al punto de atención. En este caso el coche.
2. Utilizar las líneas del dibujo para atraer la atención sobre este punto. En el dibujo de la nave espacial, la forma de la nave y el cable guian nuestro ojo hacia el astronauta.
3. Resaltar con trazos más intensos, con grises, o con manchas negras el centro de interés para que atraiga al ojo al primer golpe de vista.
4. Mostrar la acción. Los dibujos siempre cuentan una pequeña (o grande) historia. Así que si enseñamos un momento importante de esa historia habremos captado la atención del que mira.
Otras veces es interesante ( y divertido) jugar con el contraste provocado por la acción. Por ejemplo: un chico corriendo en un parque y al lado un anciano dando de comer a los pájaros.
Ahora que sabemos más cosas sobre composción retomemos algo que ya hemos tratado de pasad y que es fundamental para la realización de una buena ilustración: el equilibrio de masas.
Un objeto grande se ve más que uno pequeño. Como decimos los dibujantes, es más pesado, es decir, tiene más masa.
Imaginaos que queremos dibujar un botijo y una manzana. Si colocamos uno a cada lado del encuadre, el dibujo se "caerá" hacía el lado del botijo porque este es más pesado.
Si los ponemos juntos a un lado, el dibujo quedará desequilibrado. Entonces, la mejor manera será si centramos el objeto pesado (el botijo) y colocamos al menos pesado más cerca del borde. Quedando la composición equilibrada.
El equilibrio de masas en una composición se consigue cuando las partes del dibujo que la forman guardan entre si una relación Armoniosa y Expresiva.
Veamoslo con un ejercicio:
Te han encargado realizar una ilustración en la que debbe aparecer una casa, un árbol, un chico y un balón. Recuerda que tú, el dibujante, eres el director de escena y el que decide dónde colocar cada elemento.
 La primera imagen sería un desastre ya que queremos meterlo todo en el centro y resulta que no se ve nada. Hay tantos elementos que se pierde la mirada. Si dieramos 2 minutos a alguien para que viera el dibujo y después le preguntase cuantos elementos hay, seguramente se perdería en alguno.
En la segunda imagen se ha desplazado los elementos y se juega con el tamaño. Pero el dibujos se "cae" hacia la derecha. Aunque lo peor es que no dice nada, resulta aburrido. Y lo peor que le puede pasar a un artista es resultar aburrido.
En el tercer dibujo los distintos tamaños están compensados con su posición en el encuadre y la composición ya resulta expresiva.
Otra forma de componer esta ilustración sería ver al niño de fondo corriendo tras el balón, ambos en un tamaño más pequeño. Y colocando la casa a un lado (viendose solo parte de esta) y el árbol al otro. La composición quedaría compensada, y estos dos últimos enmarcarían la imagen y el niño al fondo pasaría a ser el centro de interés.
No hay una única composición válida. Así que lo mejor es hacer varias y elegir la que más nos guste.







jueves, 10 de abril de 2014

La composición

He puesto varios posts con conceptos teóricos, así que ha llegado el momento de poner todos estos en práctica.
Supongo que después de haberlos leído, habreis practicado algo. Así que ya tenemos experiencia tomando apuntes. Ya hemos adquirido la costumbre de hacer varios bocetos antes de comenzar un dibujo. Ya sabemos empezar un dibujo con un esquema. Y además, ya hemos transformado ese esquema en un encaje. 
La verdad es que hemos avanzado un montón, verdad??? Anteriormente trabajamos cada parte por separado y todo el conjunto de manera caótica. Hemos conseguido alcanzar el orden y la organización en nuetro trabajo. Y también, hemos aprendido a proporcionar los distintos elementos del dibujo en ese encaje. Y ya sabemos utilizar la perspectiva para que estos elementos tengan un aspecto real.
Pues ahora que tenemos toda esa técnica ya aprendida, vamos a empezar a ser creativos de verdad.
Ser creativo es tener mucha capacidad de inventar cosas... Y de saber llevarlas al papel.
Para plasmar esa imaginación en el papel tenéis que aprender Composición
Componer es ordenar en el papel los elementos de los que consta el dibujo, de forma que el conjunto
quede equilibrado y expresivo.
Imaginaros que quereis hacer un bodegón con un plato, un vaso y una manzana. Lo primero es colocarlos de una manera determinada para dibujarlos. Pero no vale de cualquier manera. Ahora lo veremos.
La composición tiene que mostrar con claridad los tres objetos con una relación equilibrada entre ellos y el espacio que los rodea. Claro que hay muchas formas de hacer una composición. Para conocerlas, debemos aprender varios conceptos; pero, sobre todo, lo que hay que tener es ...BUEN GUSTO.
Cuando vayas a hacer un dibujo te debes preguntar:
- ¿Cuántos elementos va a tener mi dibujo?
-¿Qué tamaño va a tener mi dibujo?
Una vez hayas respondido esto tienes que itentar central el conjunto o el único elemento a representar de manera que las zonas blancas ( sin dibujar ) queden proporcionadas. Que no sobre más de un lado que de otro. No debes poner el objeto muy a la derecha y que sobre demasiado en el lado izquierdo, o pegarlo a la base de la lámina y que sobre demasiado en la zona de arriba.
Pongamos que vamos a dibujar una botella. Repartiendo el espacio blanco por todos los lados, la botella se situaría en el centro geométrico. Esta composición puede parecer la correcta pero...es aburrida y el verdadero artista nunca debe aburrir.
El dibujo de la izquierda sería dibujando la botella en el centro geométrico y el de la izquierda serían una distribución más correcta del espacio, ya que hace que los ojos vean más elegante la composición porque ahora la botella está en el centro visual.
En toda composición la figura y el espacio blanco tienen una importancia similar, podemos decir que el blanco forma parte de la composición.
Si nos fijamos en el retrato del señor. Si colocas la figura en el centro geométrico, arriba dejas un espacio que llama la atención pero en el que no ocurre nada. Sinembargo si has desplazado la figura del centro ya queda compensada a la derecha con el blanco.

En posts más antiguos teneis desarrollado más el tema con varios tipos de encuadre y explicada la teóría de la sección aurea. Estos últimos los estoy poniendo para gente que empieza a dibujar y quiere soluciones rápidas y sencillas.

Esquema, boceto y encaje

El planteamiento incial de un dibujo casi nunca es definitivo, pues para conseguir un resultado que nos guste, el dibujo se ve sometido en su comienzo a continuos cambios y supervisiones. Ese trabajo de aproximación se llama realizar un esquema o esbozar.
El esquema es un dibujo hecho sin detalles, planteado sólo en líneas generales.
Un apunte y un esquema no es lo  mismo. El apunte es un dibujo por sí mismo y el esquema es el comienzo de todo dibujo.
Cuando estás frente a un papel en blanco, no puedes comenzar el dibujo por un lado y terminarlo por otro así, sin más.
Tienes que trazar con líneas rápidas (que puedas borrar en cualquier momento) una aproximación al dibujo: dónde lo vas a situar, a que tamaño lo vas a hacer, con qué elementos, desde qué punto de vista...
El esquema es la preparación al encaje.
Pero antes de ponerte frente al papel en blanco para comenzar tu dibujo (sobre todo si vas a hacer un dibujo imaginario, o sea, no basado en un modelo real) es conveniente hacer previamente unos bocetos preparativos.
Un boceto es un ensayo del dibujo en pequeño formato.
Los bocetos nos permiten plantear varias versiones de un dibujo para poder elegri la que más nos guste y desarrollar más detalladamente.

miércoles, 9 de abril de 2014

El apunte

Después del tecnicismo de la publicación anterior, vamos a volver al dibujo como oficio. Vamos a hablar de el apunte. Que es algo necesario si queremos tener una mano agil y un ojo entrenado.
El apunte es básicamente un dibujo del natural hecho rapidamente y con pocas líneas. Estos sirven para dar seguridad a un dibujante y ayudan a crear lo que se llama Oficio
Además sirven para tener documentación sobre un modelo. Por ejemplo, si tenemos que dibujar a un tipo trajeado, primero debemos saber cómo son las arrugas de un traje. Entonces, cogemos el cuaderno y el lápiz y nos vamos a la calle, al metro, a un bar...Y tomamos apuntes de todos los trajes que veamos.
Esto al principio te resultará difícil ya que el modelo casi nunca se está quieto. Eso por una parte es bueno, porque así nos vemos obligados a observar y a dibujar con rapidez: el ojo y la mano se hacen más ágiles. No obstante para empezar ve a un sitio donde la gente permanezca tiempo quieta: como a un parque, donde halla algún abuelo dando de comer a las palomas, o a una biblioteca, donde la gente suele permanecer tiempo quieta.
Cuanto más practiquemos el apunte, más preparados estaremos cuando vayamos a hacer el dibujo definitivo.
Los apuntes no tiene por qué ser dibujos perfectos. Son tan sólo rápidas aproximaciones a un modelo o a parte de un modelo, pero diez apuntes de este modelo tienen más valor que un solo dibujo acabado del mismo.
El apunte es también muy importante para saber dibujar únicamente lo esencial: como son dibujos rápidos, hay que utilizar pocas líneas para hacerlos y, por fuerza, éstas deben ser las más importantes. Así aprendemos a dibujar lo básico y a olvidar lo superfluo.
Y ya para terminar comentar que este te ayudará a crear memoria visual. Serás capaz de dibujar cualquier tema, desde el modelo más interesante hasta el detalle más modesto.

La perspectiva

Todos habéis oido hablar de ella, pero muy pocos la conocéis, porque, a pesar de ser muy bonita, os parece complicada.
Cuando haceis un dibujo, estáis metiendo objetos que tienen tres dimensiones en un papel que sólo tiene dos. Esta magia es la perspectiva. Gracias a la perspectiva las cosas que dibujas guardan su posición y su tamaño real dentro del dibujo. Además es imprescindible para que tus dibujos sean "reales" y se parezcan al modelo.
Esta permite que puedas dibujar juntos objetos que en realidad están situados a distintas distancias. La manera de representarlos es aumentando o disminuyendo su tamaño. Por ejemplo en un paisaje, cuanto más lejos están las cosas (árboles, pajaros,...) más pequeños se ven.
La perspectiva funciona con líneas y puntos de fuga. 
De lo primero que hay que hablar es de una línea de horizonte. Todas las imágenes y también todos los dibujos tienen su línea de horizonte. Es el límite de hasta donde podemos ver.
El ejemplo más claro es la línea de horizonte en el mar.
Esta es indispensable para hacer cualquier dibujo, pues todo lo que sale en el dibujo se relaciona con ella.
La línea de horizonte se representa mediante una línea recta, paralela a la base del dibujo y situada a la altura de los ojos del observador.
Si subes a la terraza de tu casa, como tu punto de vista es alto, tendrás que trazar una línea de horizonte alta.
Si bajas a la calle, la línea de horizonte será media.
Y si te tumbas en el suelo, será baja.
Puntos de fuga
Las líneas de una perspectiva convergen en un punto de fuga. Esto significa que van a parar a un punto imaginario que suponemos en el límite del dibujo y que casi siempre está situado en la línea de horizonte. Cuando se dibuja en perspectiva, todas las líneas que de frente son paralelas se cruzan en ese punto.
Pero antes de seguir repasaremos en el cubo, que es la forma básica que más vamos a usar, cuáles son las líneas que lo forman. Siguiendo el orden de los cubos de izquierda a derecha y marcados en líneas rojas tenemos: las verticales, las horizontales y las de profundidad.
Sabiendo esto ahora vamos a ver los tres tipo de perspectiva que tenemos.
Perpectiva paralela
Cuando vemos el cubo de frente por una de sus caras, las verticales y las horizontales permanecen paralelas y sólo fugan las de profundidad.



Perspectiva oblicua
Si nos echamos a un lado, veremos que sólo las verticales siguen paralelas y que tanto las de fondo como las horizontales convergen en sus respectivos puntos



Perspectiva área
Si vemos el cubo desde muy arriba, notaremos que ahora ninguna línea permanece paralela, o sea, que tanto las horizontales, como las verticales y las de fondo, convergen cada una en un punto y que el punto de fuga de las verticales ya no está situado en la línea de horizonte.
Como podeis ver el mecanismo no es muy complicado. Para aprenderlo bien, lo mejor es practicarlo mucho. Primero con un cubo, cambiando de posición la línea de horizonte y los puntos de fugo. Después prueba con nuevos objetos que se asemejen a un cubo. Al principio será más fácil de comprender así.

Y ahora que llegamos a las aplicaciones prácticas de la perspectiva, vais a ver realmente lo importante y necesaria que es.
Cuando os hablé del encaje, quedamos en que ibamos a trabajar con seis formas geométricas básicas. Estas eran: el cubo, el prisma, la pirámide, el cilindro, el cono y la esfera.
Ahora que ya sabéis dibujar un cubo en perspectiva, todo será más sencillo. Podemos hacer que converjan todas las formas (excepto la esfera que como no tiene superficies planas, podemos decir que tiene infinitas perspectivas) basándonos en la perspectivas del cuadrado y del cubo.
Como os habeis fijado, cualquier figura puede realizarse basandose en el cubo. Cuando ya tengais practica esto no será necesario. No tendreis que dibujar líneas de horizonte ni puntos de fuga ya que llegará un momento que podréis fugar a ojo. No obstante os recomiendo que lo utiliceis mucho al principio para que os salgan bien las figuras. 
Una vez que os hayais cansado de dibujar cubos, piramides y demás, podeis dibujar elementos cotidianos basandonos de nuevo en el cubo como hicimos con los anteriores prismas. Cuando empieces a ver lo rápido que dibujas y lo bien proporcionado que te queda, te animarás tu solo a seguir dibujando.

martes, 8 de abril de 2014

Tomar medidas

Como decía en el post anterior encajar es importante. Pero al mismo tiempo que se encaja hay que cuidar las proporciones del dibujo.
La proporción es la relación entre las dimensiones de un objeto y las de lo que lo rodean.
Cuando dibujas un paisaje está claro que no lo haces a tamaño real. Pues para reducir las dimensiones de los objetos al formato de tu hoja en blanco, tienes que fijarte en la relación de los tamaños que tienen entre si esos objetos.
La mejor manera de proporcionar el dibujo de un objeto es tomando sus medidas. Para ello no os hace falta un metro. Con ayu
da del lápiz y un poco de atención visual podréis medir bien.






 

El encaje

Para que todo dibujo tenga un buen resultado, debemos comenzar por el encaje.
Todo dibujo tiene un proceso: hay que comenzarlo con un sencillo esquema de colocación del conjunto para llegar, paso a paso, a las líneas definitivas. Mucha gente al comenzar a dibujar, se centra en ir haciendo cada parte del dibujo como un objeto independiente. Y cuando quiere completar este se da cuenta que no cabe dentro del papel.
Para comenzar no teneis más que trazar una serie de líneas formando sencillas figuras geométricas dentro de las cuales se situará el tema que queremos dibujar.
Ése es el primer paso, el más sencillo; a partir de ahí el dibujo se va elaborando teniendo en cuenta otros factores que veremos más adelante.

Las formas básicas
Están debajo de cada dibujo, como una estructura invisible que hay que saber manejar si queremos construir bien un dibujo. Para saber encajar bien hay que saber reducir todo lo que queremos dibujar a sus formas geométricas básicas. Estas son el cubo, la esfera, el prisma rectangular, el tetraedro o pirámide, el cilingro y el cono.
Lo primero que hay que hacer es saberlas dibujar bien. Así que ya estáis llenando hojas con dibujos de todas ellas, de todos los tamaños y en todas las posiciones.
Para ver que ya dominamos esas formas básicas, vamos a aplicarlas al dibujo de un modelo realmente complejo como el cuerpo humano.
 Y cuando sepas dibujar esas piezas desde cualquier ángulo, tambien podrás hacerlo con todas ellas juntas, consiguiendo figujaras como la de al lado.


Consejos para nuevos dibujantes III

Lo más importante para no olvidar lo que vas aprendiendo, y ver pronto mejoras, es practicar un poquito todos los días. Practica con distintos tipos de lápices, papeles, colores. Estudios y ejercicios de perspectiva, proporciones, encajes. Todo esto por supuesto va a llevar su tiempo, no hace falta que te agobies queriendo abarcarlo todo de golpe. Empieza por lo básico y repasa constantemente lo que has aprendido y haz ejercicios y prácticas sin cesar. Y para no abandonar marcate unos objetivos diarios o sino tienes mucho tiempo unos objetivos semanales.
Como ya sabéis, hacer un dibujo no es hacer rayas a tontas y a locas. Cuando comienza un dibujo, el artista debe de tener una serie de cosas claras en la cabeza.
Que dibujar
Muchas veces te sientas en la mesa, coges un papel en blanco, afilas el lápiz y...¿Qué dibujo?
Hay que elegir un modelo. Pero no un modelo cualquiera, sino el que vaya bien con lo que vas a practicar. Por ejemplo, si quieres practiccar perspectiva no vas a dibujar un ramo de flores. Empieza con una mesa y una vez que la hayas hecho y entendido bien su perspectiva, podrás animarte a dibujar un edificio.
Una ve que hayas elegido tu modelo tienes que saber que vas a hacer con él. Si lo vas a dibujar ampliado, tamaño natural, reducido. Si quieres incluirle un fondo o no. Sin margen o con un recuadro. Abocetado o acabado.
Ahora os voy a contar cómo solucionar tres problemas con los que os vais a encontrar ahora que os habéis lanzado sobre el papel.
Cuando te canses
Ya había hablado anteriormente de esto. Cuando se lleva tanto tiempo pegado al papel que ya no ves nada: ni los problemas que te plantea el dibujo ni cómo solucionarlos.
Déjalo y olvídate de él... Por unas horas. Al día siguiente, con la cabez fresca,, el dibujo te parecerá otro y tus ojos lo verán de otra manera.
Cuando te desanimes
A veces ves un dibujo y piensas: "bufff, cada vez dibujo peor" Para acabar con esta idea, que a todos nos ha pasado por la cabeza, no hay nada como mirar dentro de alguna de tus carpetas ( o donde guardes tus dibujos) dibujos de hace un año, pudiendo comprobar entonces tus mejoras.
Por esto último es importante que no lo dije anteriormente ir poniendo fecha a los dibujos que haces.
Cuando pierdes el interés
Puedes echarle un poco de teatro:imagina que tu dibujo es un importante encargo, por ejemplo, la mascota de una Exposición Universal. Algo que todos admirarán.
Y si prefieres recurrir a algo más realista. Como ya llevarás un tiempo dibujando. Create tus propios encargos. Primero hazle uno a una abuela, madre, tía. Pronto todos querrán tener un dibujo tuyo. El ver como el resto valoran estos te darán fuerzas para continuar.

sábado, 5 de abril de 2014

Consejos para nuevos dibujantes II

El gran amigo del dibujante por excelencia es el lápiz. Como ya he hablado anteriormente sobre él ahora solo lo voy a tocar por encima, si quereis saber más cosas, solo teneis que leer viejos posts. 
Un lápiz es una mina de grafito o ccarbón que, para poder manejarla bien con la mano, va metida dentro de una barra de madera. Aunque también puede ir dentro de un portaminas. Como ocurre con los papeles, hay na gran variedad de lápices que hay que conocer para poder elegir el más adecuado.
Lápiz duro o lápiz blando???
Sí, la cualidad más importante de un lápiz es su dureza. La dureza es el grado de consistencia de la mina. A mayor dureza (lápiz duro) el trazo es más fino y menos negro; a menor dureza (lápiz blando) el trazo es más grueso y negro.
El lápiz duro se le designa con la letra H.
Al lápiz blando se le designa con la letra B. 
Hay una escala que va desde el 8B (el más blando) al 8H (el más duro)
Generalmente los lápices de graduación H son utilizados para dibujo técnico y los B para el artístico. Yo recomiendo que se compren unos buenos lápices, ya que duran más porque la mina se rompe menos. Si vas a empezar a dibujar, no compres cajas suelen ser muy caras. Compralos por separado como mucho costarán 2.5 € cada uno pero seguramente los encontrarás más económicos. Yo los compraría Fabes Castell, Staedler que son los mejor puedes encontrar en españa. No obstante si vais a una tienda de bellas artes os pueden dar cualquier otra marca poco conocida que seguramente os dará muy buenos resultados. Adquirir un HB ó 2H, para hacer la composición o empezar a hacer el dibujo. Después para sombrear un 2B, 4B y un 6B u 8B. En lugar de hacer degradados utilizando la presión del lápiz os va a ser más fácil obtener las sombras de más claro a más oscuro utilizando los lápices adecuados. Recordad que cuanto más blando, más oscuro pinta.
Ahora a por la tinta!!!
Es negra y mancha un montón. Por eso algunos le tenéis miedod. Pero cuando la lleguéis a conocer bien os daréis cuenta de lo bonita que es y los buenos resultados que da.
La tinta china es una fluido negro, denso, opaco y resistente al auga y a la luz. 
La tinta se aplica principalmente con pluma, pincel y estilografo. El estilógrrafo es un instrumento de punta rígida con el que se consigue una línea uniforme. Utilizado generalmente en dibujo técnico. El pincel y la pluma, al ser flexibles, dan más dinamismo a la línea.
El pincel
Es importante que sea un buen pincel, como los de acuarela. ¿Cómo sabemos si lo es? Pues porque cuando lo mojas en el agua y lo escurres, la punta conserva su forma y no se abarre o se separan las puntas. Así sería muy difícil de controlar.
Conn el pincel se pueden hacer líneas finas como con la pluma, pero sobre todo se hacen trazos gruesos y manchas negras. Al mojarlo de tinta hay que escurrirlo un poco en el borde del tintero para que no esté muy cargado y para que los pelos (que se llaman cerdas) queden en punta como ya hemos dicho
La pluma
También llamada plumilla, no es tan flexible como el pincel pero, según su grado de inclinación y la presión con que la apretemos, da una gran varieda de trazos. 
Con la tinta china también se pueden hacer grises
Al ser la tinta completamente negra, no se pueden hacer como con los lápices que en función de como apretes este sobre el papel dará un color más oscuro o más claro. Aquí los grises se consiguen a base de tramas que se cruzan en líneas finas, paraletas y continuas que producen, al mirarlas en conjunto, la sensación de gris.
Con todo esto ya puedes pasar a tinta tus dibujos. Para ello el dibujo debe hacerse con un lápiz duro y sin apretar mucho. Así, al terminar la tinta, con un toque de goma borrarás el lápiz que aún se ve.
Y cuando menos te lo esperes podrás hacer dibujos directamente a tinta. Pero para llegar ahí antes tienes que...PRACTICAR

Como preparar papel para acuarela

¿ Se puede mojar un papel? No todos. Hay que saber qué papeles aguantan más el agua. Los satinados (aquellos que son totalmente lisos y brillantes) es mejor no mojarlos. Si tienes que hacer un trabajo al que vas a añadri colores al agua (acuarela, lápices o ceras acuarelables, gouache...) utiliza un papel rugoso, que tenga grano, y que no sea demasiado fino. Si vas a hacer una acuarela utiliza el papel de acuarela. Verás que es el más rugoso. Y para eivtar que con el agua se te abombe, lo mejor es mojar antes de todo el papel.